Tot corpul este politic

…începând de la corpul unui bărbat bine făcut, alb, vest European, heterosexual, tradiționalist, de preferat catolic, cu 3 copii și o nevastă emancipată ( E trendy să ai neveste emancipate care mai fac și caritate).

Centrul de Proiecte Culturale Azart, a organizat în perioada 3-9 iulie 2018, la Chișinău, atelierul de Teatru Politic, facilitat de regizorul David Schwartz (România).
”Timp de șapte zile am discutat despre teatru și politică, despre documentar și documentare, despre valoarea istoriilor personale, despre cine cu cine și despre cine vorbește. Și am ajuns, nu tocmai surprinzător, la discuții grele despre relația cu părinții, despre corp și dinamici de gen, despre schimbările de sistem în post-socialism, despre condițiile de muncă, în Moldova și peste hotare, despre felul în care evenimentele istorice și dinamicile sociale și culturale ne influențează biografiile și experiențele cotidiene.” David Schwartz

Într-o discuție la o cafea, un prieten mă întreba, știind că organizăm atelierul de teatru politic, cu ce ne ocupăm acolo, ce facem – ”simulați situații din parlament, jucând pe roluri personaje politice?”.- Și am stat să-(m)i explic că defapt teatrul politic nu este despre parlament și politicieni, ci despre oameni și istoriile acestora, despre procesele sociale care nu au cum să se întâmple înafara noastră. Că politica începe de la pâinea de la micul dejun, pe care unii o au și alții nu, că defapt noi suntem corpuri politice care avem dreptul sau nu să facem avort, sau să-l tranformăm așa cum simțim noi. Că defapt politica decide dacă te naști negru sau galben, și are grijă să-ți amintească că ești din Africa sau Europa de Est, că ești femeie sau bărbat, că trebuie neapărat să naști și să faci o familie, cu cât să-ți plătească munca, cum să-ți respecte drepturile fundamentale etc.

La atelier au participat oameni destul de diferiți, dar interesați de teatru politic: tineri dramaturgi, actori, teatrologi, activiști, studenți, regizori. Pentru unii din ei, a fost o primă experiență de scris și o primă întâlnire cu această formă de teatru. Pentru alții, atelierul a oferit acel spațiu propice pentru a crea, spațiu de reflecție, dialog și analiză. Au fost exerciții de teatru documentar, vizionare de filme și spectacole filmate, s-au citit texte de teatru, s-a discutat despre tehnici de lucru folosite în teatru politic și s-a scris.

Textele au fost scrise în tehnica de dramaturgie a monologului bazat pe interviu cu oameni apropiați și dramatizarea experiențelor personale ale participanților. Unii au mers chiar mai departe, intercalând în documentar momente ficționale ( La mare de Dana Maxim) sau făcând o compilație de articole de pe facebook ale unor presoane publice ( Oda reacționarului sau dreptatea dreptei academice de Cristian Doroftei, un poem politico-parodic inspirat din articolele lui Petru Bogatu).

După prezentarea textelor scrise la atelier, unii spectatori au ieșit confuzi, pentru că veniseră să vadă teatru politic și au ascultat istorii personale.
Defapt Istoriile personale au un conținut politic foarte mare și dacă ar fi ca fiecare din noi să facă exerciuțiul cu scrisul în două coloane pe ani cu ce s-a întâmplat pe plan personal și ce s-a întâmplat pe plan politic, nu ar mai separa aceste două noțiuni.
A fost o lecție pentru toți participanții la atelier de a da valoare istoriilor pesonale și că, defapt, poveștile lor spun cu mult mai multe despre contextul în care au existat/există decât ”poveștile” din cărțile de istorie.

a consemnat Rusanda Alexandru Curcă

Acest atelier face parte din proiectul Școala de Dramaturgie Contemporană – serie de ateliere de scriere dramatică- susținut de Agenția Elvețiană pentru Dezvoltare și Cooperare (SDC), Ministerului Educației, Culturii și Cercetării a Republicii Moldova, Centrul Cultural German Akzente, Primăria orașului Cimișlia,
Parteneri: Compania Teatrală Sava Cebotari, Casa de Cultură Cimișlia, Centrul de Informare Legală Apriori din Tiraspol, Asociația Tinerilor Artiști Oberliht
Parteneri Media: Diez, Locals, PLATZFORMA

Reclame

The Challenges of Self-media in Theatre Criticism in the Republic of Moldova

publicat de Rusanda Alexandru Curca

 

Today, theatre criticism in Moldova is in as much crisis as the theatre sector itself. There are premieres which do not get any reviews and, worse still, even the awarded best production of the year is not given any media reviews. Interest in theatre criticism is low because of several reasons – precariousness of the job, the lack of publishing platforms, the lack of a diverse theatre industry, a weak alternative scene, a weak theatre school, the lack of dialogue between theatre critics and theatre makers, the lack of international theatre events, etc.

Writing about theatre is not at all a privileged job; it is more like a hobby, which you do when you have nothing else to do.

I’ve started publishing my works in 2011 in theatre journals, weekly newspapers and my personal blog since I was a student. To begin with, the blog was intended more for my writing exercises and opinions about some events, nothing too serious. However, as time went by, it became the main platform where I could publish my texts, mainly because I’ve started writing more critically about the situation of Moldovan theatre, and I came to realise that no other media would accept my work. The printed media and serious online platforms are still conservative, and they don’t publish really critical, subversive or provocative contents.

A major reason I manage to remain critical is that I am being my own editor and censor. Censorship starts at the moment when you are employed by an authority to write a review, when you have an editor who is asking you to be more neutral, informative and joyful, when you know who your audience are and what they like. Sometimes I would ask myself: What is important for me as a professional critic? To have my work published in journals/magazines, or to be honest with myself? Eventually I chose both ways: write for journals, and create my personal blog where I have the freedom to write what I want.

But soon, I found out that maintaining a personal platform requires a lot of complementary knowledge. Now you are not only the one to produce the text, but also to manage the web page, design the layout to make it easy to read, take beautiful photos, edit them with Photoshop, select target audience, market your work on social media platforms, etc. A multitasking critic, in a word.

Being a self-publisher also makes you think more about your readers: For whom are you writing? This is the question that slightly changed my attitude. Do you go for an academic discourse, or do you want to make it accessible to the general public? Somehow, the online medium is suggesting to you the form and the content of your writing. I am trying to take an intermediate form – to be interesting for both the public and theatre professionals; but there is a grave danger of slipping into the journalistic commercial style. Taking this intermediate format means that I have to be less analytical. Long reads are a turnoff for the general reader. Every time you write you have to have this marketing mind.

Another issue of being autonomous is vulnerability. When you are employed as a writer, you have behind you the brand, the reputation and the redactor as a shield. But when you are by yourself, no one protects you at all. Usually, I have to face aggressive remarks and hate speech all on my own from other critics, theatre professionals or the public at large, because Moldovan theatre makers are allergic to criticism. To play safe, even if you have the rightful liberty to express your opinions, you cannot help censoring yourself. So as an employee you are censored by the redactor, in self-media you are censored by yourself. Without doubt, as a self-publisher you can always edit or delete the content whenever you want. So it is also about taking responsibility for what you write, about your attitude, tone, language, etc. That said, you also have more time to work on the texts, you do not have deadlines; you may risk publishing a long article if you want to, or just three sentences about a production; you can experiment with the form, you can be totally subjective, romantic, or eclectic. It all depends on what YOU want and how YOU feel.

One of my main goals as a critic is audience development. This blog offers me the chance to build a closer relationship with my readers, to have direct dialogues with both spectators and theatre makers. The comments upon my reviews are like mini reviews. You must also be able to generate concise and substantial feedback, to structure your thoughts clearly as a Facebook post or comment. In other words, I am creating some content (the review), which is supplemented by the public who create some other content via their comment. This directness totally changed my way of writing. I can predict how others may react and design my text accordingly, depending on what I want to achieve.

At the same time, I am also asking myself these questions: Who validates my authority as a theatre critic in self-media? What makes my theatre blog special among the countless others worldwide? What impact do my articles have on public opinion or theatrosphere in general? Your reputation hinges on the content, its form, and your relationships with the audience.

I know that this platform is my portfolio, my entry card for all international and national theatre events I attend. It’s a pity that my blog is the one and only online platform dedicated to theatre criticism in Moldova. And I have to admit that there is enormous work behind it – to always make sure the content is of high quality, to keep up with trends in world theatre, to invest time, effort, energy and money in managing this platform. Still, I am doing all this, despite the fact that I am doing it for free.

While analysing site statistics I found out that I have visitors from different countries, including USA, England, Germany, Georgia, France, Italy. So I decided to translate some articles into English, which is a great opportunity to go global, to share my work with a worldwide audience.

In conclusion, it’s worth having your own publishing platform if you don’t have the chance to say what you are thinking in other media outlets. In particular, in a country where you may be banned from entering the theatre because you have written a negative review, where no criticism is tolerated, where the only accepted form of theatre criticism is hand clapping, it is really advisable to manage your personal blog – the feeling of freedom that comes with it makes it all the more worthwhile.

TEART – Teatrul e la tine în cap

de Curca Rusanda Alexandru


Forumul International de Teatru TEART ediţia VII-a, a avut loc în perioda 27 septembrie-16 octombrie la Minsk sub genericul “Teatrul e la tine în cap”. Programul Belarus Open a fost creat ca o provocare pentru organizatori să vadă dacă teatrul bielorus se înscrie în contextul internaţional, dacă e competitiv, dacă are ce oferi.

În Bielorusia sunt 28 de teatre de repertoriu, finanţate de stat. Numărul companiilor independente nu se cunoaşte, aşa cum statul nu susţine nicicum aceste instituţii. La întrebarea din ce surse ex(rez)istă operatorii independenţi, răspunsul a fost că „nu rezistă”. Sunt nişte apariţii efemere, care realizează 5/6 proiecte cu suportul unor structuri internaţionale şi, sub presiunea sistemului, cedează. Îmi sună foarte familiar acestă sentinţă.

11 spectacole în program din care am reuşit să văd 6, nu foarte diferite ca formă, majoritatea având o abordare teatrală tradiţională, noile media fiind folosite sporadic şi doar ilustrativ, excepţie fâncând spectacolele de păpuşi. Curatorul festivalului, criticul de teatru Ludmila Gromko, a şi menţionat în cadrul unei întâlniri cu teatralii internaţionali că cel mai puternic şi cel mai interesant organism care se dezvoltă acum în Bielorusia sunt teatrele de păpuşi. Regizorii declară că ei fac cel de-al III-lea teatru şi au putut să crească pentru că nimeni nu i-a încurcat. Întradevăr, teatrele de păpuşi încearcă să creeze acel dialog şi să pună în discuţie acele probleme cu care se confruntă omul contemporan, pe care teatrele dramatice le evită.

Am reuşit să văd doar un singur spectacol de acest gen, The very very blue, halucinaţie într-un act, fără pauză, după textul omonim a lui Vladimir Korotkeivich. Combinînd diferite tehnici: desen în nisip pe sticlă, proiecţie live, cutii care ascund în ele o lume întreagă, păpuşi cu trăsături ale feţelor foarte omeneşti, regizorul Igor Kazakov construieşte atât spaţiul exterior, cît şi cel interior, al unui om care-şi trăieşte ultimile clipe ale vieţii  în deşertul Sahara. Chiar dacă textul e destul de patetic (monoloagele despre patrie fiind aproape dogmatice, elogioase, pline de patos şi rostite cu multă fervoare), la nivel vizual, spectacolul e foarte ofertant.

Tema dragostei de patrie a fost abordată şi în spectacolul „London” de Maxim Dosko, regizat de Elena Silutina. Doar că în acest caz, patriotismul excesiv al cetăţeanului bielorus a fost persiflat şi desacralizat capital. Povestea instalatorului Ghena, pasionat de împletitul din paie şi ajuns cu lucrări de-ale sale la un concurs în Londra, o fost realizată sub forma unui banc. Spaţiul scenic abundă de paie şi bude (prezentându-ne contextele în care Ghena îşi petrece existenţa), actorii povestesc la persoana a III-a, fără a aluneca în realismul psihologic (pentru că forma spectacolului nu le-a permis) se râde şi se cântă într-o veselie ( pentru că fiecăruia îi place să râdă de alţii). E o comedie simplă, locală, cu un limbaj licenţios, autentic, care pune în discuţie efectele propagandei şi manipulării asupra oamenilor în lumea contemporană.

Un detaliu care mi-a atras atenţia e că spectacolul a luat naştere după ce a fost lecturată piesa în cadrul Festivalului Dramaturgiei Naţionale. La ei lucrurile funcţionează altfel decât la noi.

O tendinţă nouă sunt spectacolele de proiect, finanţate de instituţiile de cultură internaţionale. Its all about her de Andrei Ivanov în regia artistei poloneze Monika Dobrowolianska, a fost produs de Institutul Goethe din Minsk şi abordează tema imposibilităţii comunicării dintre mamă şi fiu, a comunicării în lumea tehnologiilor şi a incestului în lumea virtuală. Textul e construit în formă de chat, combinat cu monoloagele fiului şi a mamei. E folosit slang-ul adolescenţilor şi cel de comunicare online, actorii sunt cel mai viu exemplu a cum nu trebuie folosit realismul psihologic în drama contemporană, scenografia e minimalistă, doi pereţi mobili formează camera mamei şi a fiului, iar actorii le jocă după cum le dictează situaţia. Care realitate este adevărată: reală sau virtuală? Când ne oprim când lucrurile merg prea departe?

A fost curios pentru mine să văd că în programul Belarus Open 80% din spectacole sunt montate pe baza dramaturgiei naţionale, iar 30% este dramaturgie contemporană. Dacă stau bine să mă gândesc, nici un teatru din Chişinău nu are în repertoriu texte naţionale scrise în ultimii 6 ani.

O altă tendinţă care se nuanţează în teatru bielorus sunt spectacolele de teatru nonfiction,  în care oamenii obişnuiţi sau neobişnuiţi, de toate vîrstele şi profesiile, îşi povestesc propriile experienţe de viaţă şi muncă, intrând astfel într-un dialog direct cu publicul. Aceşti „oameni obişnuiţi” sunt numiţi, mai nou, „experţi”.

Un spectacol de acest gen este Anti[gone], performance documentar, bazat pe tragedia Antigona de Sofocle şi produs de organizatorii festivalului, Art Corporation.

Spectacolul este construit pe două  naraţiuni paralele: cea a lui Sofocle, interpretată  de Daria Novik, care semnează şi conceptul muzical, şi din istoriile unor citadini cunoscuţi ai Minsk-ului. Monologul Antigonei e construit sub forma unei partituri muzicale, actriţa interpretând textul în mai multe genuri: opera, hip hop, intonaţii bisericeşti, recitativ etc. Experţii, spre marea mea satisfacţie, m-au cucerit prin simplitatea modului de aşi împărtăşi experienţele existenţiale mai mult sau mai puţin traumatizante, într-un limbaj simplu, vibrant, uneori în rusă, alteori în belorusă, atât de umane şi atât de comune. Ei din start se află în sală, printre spectatori, iar când urmează să-i dea „replica” Antigonei, se scoală şi ni se adresează nouă, „experţilor pasivi”.

Monologul Antigonei se contopeşte cu cel al eroilor zilelor noastre şi se transformă într-un eseu reflecţie asupra principiilor morale: ce înseamnă în ziua de azi cuvinte ca devotament, curaj, încredere, dreptate, trădare, solidaritate etc. Spaţiul scenei este ticsit cu sculpturile şi busturile unor oameni politici, în centru dominând figurile lui Lenin, Stalin şi Marx şi cărora  Antigona li se adresează sfidător. Figurile acestora semnifică sistemele opresive de conducere, pe care le acceptăm supuşi sau pe care le înfruntăm, luptând pentru drepturile noastre, dar asumându-ne totodată, şi riscurile de a pierde/ ne pierde.

O combinaţie organică dintre covenţia teatrului şi viaţă, dintre limbajul dramatic şi  expunerea simplă. Zece istorii, zece oameni care au acceptat să se deschidă în faţa noastră şi să vorbească despre intâmplările care i-au marcat, s-au contopit cu/în noi. Oraşul/comunitatea în care trăim este construită din poveşti, din poveştile noastre.

Spectacolele Umbra gândurilor noastre, bazat pe lucrările lui Frantishek Olekhnovich, regie Nina Obukhova ( Teatrul Naţional din Vitebsk)  şi O femeie blândă de Fiodor Dostoievschii, regie Elena Medyakova, coregrafie Anna Korzik (Atlanta Dance Theatre, Minsk) au fost poduse în estetica teatrului clasic, unde patosul, emfaza, gesturile largi, suferinţa autentică, al 4-lea perete sunt la fel de statornice (nu doar în teatrul belorus) şi reci ca şi Zidul de gheaţă din renumitul serial.

Din peisajul teatral belarus lipseşte cu desăvârşire Teatrul politic, Belarus Free Theatre fiind mai mult în turnee şi jucând mereu sub acoperire fiind în ţară.  Se experimentează puţin şi ca formă şi ca text, în producţii de forme mici, nu foarte costisitoare. În mainstream, ca şi la noi, sunt spectacolele populiste, comediile de bulevard, literatura belorusă a anilor 60/70.

Dar, în pofida regimului politic opresiv pentru arta politică, angajată, se întâmplă lucruri foarte frumoase pe acestă direcţie. În primul rând pentru că există Centrul Cultural Korpus şi Art Space Verkh, locate în foste fabrici de electrocasnice şi unde independenţii pot găsi mereu susţinere, că există o mulţime de artişti care fac proiecte de artă contemporană  în oraşele mici şi în sate, că despre artă se scrie.

Această prezentare necesită JavaScript.

Să ai un festival internaţional de teatru anual la care vin nume de regizori şi de companii cotate în întreaga lume (Anjelin Preljocaj, Timofei Kuliabin, She She Pop), cu un program educativ conex care include lecţii şi discuţii deschise cu profesionali din diverse discipline: teatrologi, culturologi, istorici de teatru, întâlniri şi ateliere cu regizori şi coreografi, este imporant atît pentru dezvoltarea sistemului teatral naţional şi racordarea acestuia la contextul teatral internaţional, cât şi pentru dezvoltarea audienţelor, conştiinţelor, oraşelor, ţării.

*prezenţa la festival a fost co-finanţată de #stepbeyondtravelgrants

 

«Разговоры беженцев» Бертольда Брехта – спектакль-променад на Ленинградском вокзале

Определенно один из самых необычных спектаклей фестиваля „Золотая Маска-2017”. Начну с того, что нас, зрителей, привезли на вокзал, вручили наушники и попросили следовать за человеком с красным флагом. Пока мы искали глазами нашего гида, в наушниках зазвучали приятные голоса актеров: диалог Циффеля и Калле, в исполнении актеров Максима Фомина и Сергея Волкова.

Герои спектакля, чьи голоса слышит зритель, — два немецких беженца времен Второй мировой, обсуждающих как глобальные общечеловеческие вопросы, так и мелкие бытовые невзгоды. В образе Калле угадываются черты самого Брехта.

Вскоре, флаг все-таки вспыхнул над нашими головами, как оказалось наш гид все это время был среди нас, и спектакль-путешествие начался. Первые двадцать минут мы просто блуждаем по залам, привыкая к пространству вокзала и к голосам в голове. К голосам актеров, а не к тем, что мы обычно слышим.

Спустя какое-то время неспешных странствий, самые внимательные из нас замечают двух, с виду обычных молодых людей, беседующих  в одном из залов. Постепенно, сходство между звуками в наушниках и поведением молодых людей становится очевидным: по одному, зрители поворачивают головы в их стороны, достают телефоны для съемки, подсказывают другим куда, а точнее, на кого нужно смотреть. Я показываю актеров своей подруге, попутно отмечая как молоды эти ребята, по голосу они казались намного старше. C этого момента спектакль становится полноценным: теперь мы не только слышим актеров, но и видим их, следуем за ними по пятам, жадно впитывая каждую фразу.

„Человек сегодня – это просто приспособление для ношения паспорта”, „вы едва ли  в  наше  время встретите человечное отношение,  не предложив  взятку”, „нефть дороже крови”, „возьмите американцев, этот великий народ…теперь  им сел на шею миллионер”…

„Разговоры беженцев”, режиссера Владимира Кузнецова, невероятно простой и обаятельный спектакль. Рецепт его успеха кроется в нестандартной подаче зрителю, в приятных и ненавязчивых голосах актеров, и непременно в самом тексте Брехта, таком простом и глубоком. Живое общение со зрителем тут не кажется банальным заигрыванием, когда актер вдруг спускается со сцены и заводит разговор с бледнеющим от страха зрителем. В нашем случае, и актеры и зрители, находятся в одинаковых условиях , что делает общение между ними по-настоящему живым и непринужденным.

Это отличный пример того, как легко и естественно может быть представлен интелектуальный театр. Сидя в зале, прослушать полутарачасовой диалог, пускай даже очень эрудированных людей, было бы тяжело. Потому совмещение обьемного философского текста с динамичной экскурсией по вокзалу, оказалось абсолютно оправданным решением.

Никогда не забуду финал спектакля, когда все мы, стоя посреди вокзала, аплодировали актерам. Несмотря на то, что спектакль проходил на глазах у всех, видеть и понимать его могли лишь те, кому посчастливилось быть зрителем. Подобные чувства таинства и посвященности, которые дарит искусство, наверное один из важнейших критериев по которому стоит его судить.

 

 

Автор Буга Оксана

фото: http://www.m24.ru/galleries/6235

To catch the breaking moment @Magnificii

Rusanda Alexandru Curcă/ 19.07.2017/ satul Hîrtop, raionul Cimișlia

Când cineva mi-a dat ideea să fac un  feedback request  de la actorii proiectului Magnificii/ Die Glorreichen, mi-am dat sema că prind cel mai fain moment al proiectului.

E fain pentru că a trecut suficient timp ca să se armonizeze niște emoții și amintiri, și totuși nu suficient pentru ca această experiență să înceteze să fie o sursă de energie.

Depresia post proiect, e acel moment de rupere, deopotrivă dureros și vindecător, distrugător și transformator. Momentul când tot ce faci, tot ce e în mână e @magnific. E momentul în care nu mai ești tu participant într-un proiect pe nume @Magnificii, ci ești @Magnificii însăși.

E cinic din partea mea, dar acest moment de rupere am vrut să-l prind. Le mulțumesc actorilor că au dat curs cererii mele.

When someone gave me the idea to make a feedback request from the actors of the Magnificii / Die Glorreichen project, I realized I was catching the best moment of the project.

It’s good because it has been enough time to harmonize some emotions and memories, and yet not enough for this experience to cease to be a source of energy.

Post-project depression is the breaking  moment, both painful and healing, destructive and transforming. The moment when everything you do, everything in your hand is @magnific. The moment when you are no longer a participant in a project called @Magnificii, but you are @Magnificii itself.

It’s cynical on my part, but this breaking moment  I wanted to catch. I thank the actors for accepting my request.

Marcela Nistor

Magnificii-cea mai nesimțită experiență! Nu poți să îmi oferi atâtea și să te termini așa brusc. E un proiect pentru care am sentimente. îl urăsc și îl iubesc. și mi-e dor de noi.

Magnificents – the most careless experience! You can not give me so much and finish so suddenly. It’s a project for which I have feelings. I hate and love him. And I miss us.

Romanița Alexeev

Magnificii constituie un proiect valoros pentru mine. M-a facut să-mi pun întrebări, să mă deschid, să învat… Am aflat ceva mai mult despre mine și despre teatru, iar ca rezultat final m-a facut să-l vreau în viața mea mai tare ca niciodata. @Magnificii nu s-a terminat. Eu continui să-mi fac tema de-acasa punându-mi întrebarile proiectului: ce vreau cel mai tare, care e rolul meu în societate, să lupt sau să negociez, să rămân sau să plec, și multe altele. @Magnificii merită văzut de cât mai mulți oameni, ca să-i scoată din amorțeală. Mie mi-a dat o palmă și m-a mangâiat în același timp 🙂 

Magnificii/ Die Glorreichen are a precious project for me. It made me ask questions, open myself, learn … I learned a little more about myself and theater, and as a final result, made me want it in my life stronger than ever. Magnificii/ Die Glorreichen is not over. I continue to do my homework by asking me the questions from the project: what I realy want, what is my role in society, to fight or to negotiate, to stay or to go away, and many others. Magnificii/ Die Glorreichen should be seen by many many peoples, to get them out of numbness. He gave me a slap and he caressed me at the same time 🙂

Janosch Fries

Pentru mine acest proiect a fost, la un moment dat, ultimul pas din studiile mele. Mi-am spus că ar trebui să mă distrez din plin și să petrec timpul bine înainte de-a începe lucrul zilnic, greu, la teatru.  Și asta am și făcut. Am avut două luni minunate, am întâlnit oameni. Sunt atât de recunoscător pentru faptul că drumurile noastre s-au intersectat. Am văzut o țară străină pe care nu m-aș fi așteptat niciodată să o vizitez, am experimentat o nouă cultură și nu am regretat niciodată că fac parte din toată chestia asta, nici măcar pentru-o secundă. Acum, când acest proiect sa încheiat, sunt câteva săptămâni de repetiții în spate, în care am învățat multe, am putut încerca lucruri, am primit sprijin de la oameni și de asemenea,  uneori am fost și furios și plictisit. Am jucat mai multe spectacole și, în cele din urmă, mi-au plăcut toate, dar există oameni cărora le scriu în fiecare zi și pe care abia aștept să-i revăd.

For me this project was at one point the final step in my studies. I told myself to have lots of fun and a good time one last time before tough everyday life at a theatre will start. And this is what I did. I had wonderful two months, I met people I am so grateful to have crossed their ways, I have seen a foreign country I never would have expected to visit, I experienced a new culture and I never have regret to be part of the whole thing for even one second. Now that this project is over, there are couple of weeks of rehearsing behind me in which I learned a lot, I could try stuff, I received support from people and I also was mad and bored sometimes. We had shows and in the end I liked all of them, but what still remains is that there are people I still text each day and I cannot wait to see them again.

Anastasia Nashko

     Nu cred că există destule cuvinte pentru a descrie ce a însemnat și înseamnă în continuare pentru mine proiectul Magnificii/ Die Glorreichen. A fost o experiență puternică atât pe plan profesional, cât și pe plan uman. M-am întors acasă cu un bagaj enorm de emoții și amintiri. Am învățat multe. M-am bucurat, am plâns, am râs. Au fost două luni extrem de intense, două luni care mi-au făcut anul mai frumos. Îmi doresc enorm de mult ca proiectul să aibă o viață îndelungată și fructuoasă.

I do not think there are enough words to describe what the Magnificii/ Die Glorreichen project meant and still means to me. It has been a great experience both professionally and humanly. I came back home with a huge baggage of emotions and memories. I learned a lot. I was glad, I cried, I laughed. There have been two extremely intense months, two months that have made my year more beautiful. I really want the project to have a long and fruitful life.

Godje Hansen

Timpul de lucru pe  care l-am avut la Magnificii/ Die Glorreichen a fost intens, dificil și frumos. Am aflat că: nu sunt singură. M-am întrebat: chiar vreau să fac asta? Și continui să mă întreb: ce vreau? Ce vreau să fac? Sper că nu mă voi opri niciodată să-mi pun întrebări. Sper să vă văd în curând prietenii mei!

The time working on Magnificii/ Die Glorreichen was intense, difficult and beautiful. I found out: I am not alone. And I asked my self: Do I really want to do this? I´m still asking my self: what do I want? What do I want to do? I hope I will never stop asking my self. Hope to see you soon my friends!

Igor Babiac

Pentru mine Magnificii/ Die Glorriechen a însemnat să redobândesc o fărâmă din dragoste, uitată de mult și rămasă în urmă, în cele mai fericite perioade din viața mea, când orice problemă părea ușor de rezolvat.

De fiecare dată când vom mai juca acest spectacol, vom transmite spectatorilor o parte din noi, din ce am dobândit luptând cu propriile frici și învingând!

Iar dacă nu îl vom mai juca…

For me, Magnificii/ Die Glorriechen meant to regain a shred of love, forgotten for a long time and left behind, in the happiest moments of my life when any problem seemed to be easy to solve.

Every time when we will play this performace, we will give to the audience a part of us, from what we have gained fighting with our own fears and winning!

And if we won’t play it anymore …

Bálint Walter

Pentru mine proiectul a fost, pe lângă faptul că am întâlnit colegi draguți și mi-am făcut prieteni, o lecție despre cum sa îmbini diferite forme de lucru cu răbdare și respect. Munca nu a fost întotdeauna fără conflicte și tensiuni, dar cred că ne-a ajutat să creștem și am creat un ansamblu frumos.

For me the project was beside meeting nice collegues and making friends about learning much about how to cross different working forms with patience and respect. The work was not allways without conflicts and tensions, but i think, it helped us to grow, and we have made it to a nice ensemble.

Genia Pasat

A fost o experiență foarte necesară, am tras multe lecții din ea, despre mine, despre teatru, despre oameni și umanitate.

Am cunoscut cultura germană, modul în care văd ei lucrurile, mediul în care trăiesc și condiția socială, și asta m-a facut să redescopăr lucruri despre cultura țării mele.

Mi-am facut prieteni noi, oameni foarte frumoşi, care m-au inspirat să continui să caut chiar şi cînd a fost mai greu. Au fost sigur și momente de criză, în care îmi venea greu să fac față unor energii care pluteau pe acolo.  La academie în 4 ani am învățat că spectacolul și  grupul, care e un organism viu, conteză în primul rând. Niciodată mâna nu consideră că trebuie să iasă în evidență mai mult ca piciorul. Dar în acest grup au fost oameni cu școli de teatru diferite, cu istorii diferite, de asta probabil îmi venea greu să accept că cineva nu are metoda asta de lucru. Acceptarea – cred că asta a fost cea mai prețioasă lecție din acest proiect. Pentru că întotdeauna oamenii care vin și pleacă din viața ta, neapărat te învață ceva.

Multumesc mult organizatorilor și sponsorilor pentru aceasta experiență

It was a necessary experience, I drew many lessons from it, about me, about theater, about people and humanity.

I discovered German culture, how they see things, the environment in which they live, and the social condition, and that has made me rediscover things about my country’s culture.

I made new friends, very beautiful people, who inspired me to continue to search even when it was harder. There were also crisis  moments  where I struggled to deal with the energies that floated there. In four years, at the academy, I learned that the performance,  the group that is a living organism, matters first. The hand will never think that is more important then the foot. But in this group there were people who had different theater schools, with different backgrounds, which probably made it difficult for me to accept that someone does not have this method of work. Acceptance – I think this was the most precious lesson in this project. Because always people coming and leaving out of your life necessarily teach you something.

Many thanks to organizers and sponsors for this experience.

Magnificii // Die Glorreichen
Regia și scenariul: Mario Eick

Co-regia: Sava Cebotari și Manuel Harder

regie sunet: Erich Maier

scenografie: Peter Schickart

în distribuție:

Godje Hansen, Genia Pasat, Esra Laske, Marcela Nistor, Bálint Walter, Igor Babiac, Anastasia Nashko, Jens Lamprecht, Romanița Alexeev, Janosch Fries.

Conducerea producţiei:

Dr. Evelin Hust (Goethe-Institut Bukarest)

Mario Eick (Theater für die Jugend, Burghausen)

Manuel Harder (Schauspiel Stuttgart)

Producători:

Institutul Goethe din România

Teatrul Tineretului din Burghausen

Cu suportul: Ministerului Afacerilor Externe al Republicii Federale Germania, orașul Burghausen și Guvernul din Bavaria Superioară

O co-producție cu: Corina Gîrla (Centrul Cultural German Akzente, Chișinău) și Vlad Ciobanu (Centrul Naţional de Educaţie prin Artă, Chișinău).

Parteneri: Centrul Naţional de Educaţie prin Artă, Teatrul Dramatic de Stat din Stuttgart, Teatrul «Veniamin Apostol» Soroca, Teatrul Național «Vasile Alecsandri» din Bălți.

#civilsocietycooperation

Dacă aș fi eu autorul unui astfel de proiect, nu știu dacă aș alege să numesc spectacolul ”Magnificii”

Interviu cu Sava Cebotari, realizat de Rusanda Alexandru Curcă
Chișinău, Moldova (11 iulie 2017)

Cred că proiectul ”Magnificii” / ”Die Glorrechien” este cel mai frumos lucru care i se putea întâmpla teatrului moldovenesc în această vară. Ideea acestui demers cultural a venit din partea Centrului Cultural German Akzente în persoana Corinei Gîrlă, care i-a propus lui Mario Eick, regizor și director al Teatrului Tineretului din Burghausen, un teatru independent de altfel, să gândească un spectacol în care vor participa actori din Moldova și Germania. Tot proiectul a stat sub semnul experimentului. Experiment la care au participat 10 germani și 6 moldoveni.

Sava Cebotari, regizor, absolvent al Academiei de Muzică, Teatru și Arte Plastice din Chișinău, masterand al școlii-studio MHAT, absolvent al Școlii Liderului Teatral, proiect al Departamentului Culturii Moscova și al Centrul Meyerhold, clasa lui Victor Rîjacov, fondator al Centrului de Dramaturgie Contemporană și producător al Festivalul Internațional de Dramaturgie Contemporană Verbarium ediția I, a reprezentat în cadrul proiectului teatral moldo-german ”Magnificii” / ”Die Glorrechien”, partea moldovenească, în calitate de co-regizor.

Înainte de a începe discuția despre proiectul #Magnificilor și rolul pe care l-a avut acolo, Sava ne-a povestit despre ideea că orice spectacol este demult ”montat” undeva în Univers, iar regizorul nu trebuie decât să și-l amintească și să-l materializeze. Această teză despre dictatul Universului îmi este foarte aproape și-atunci am vrut să aflu cum s-au materializat dorințele lui și cum a ajuns să muncească în acest proiect.
”Prin 2005, când intrasem la studii la Academia de Muzică, Teatru și Arte Plastice, mulți dintre profesorii mei se lăudau că au făcut școala de teatru la Moscova, fie că era vorba de GHITIS, Șciukin, Șcepkin, Institutul de cultură din Moscova, MHAT etc. Cu toate astea, producțiile lor teatrale mă lăsau rece. Majoritatea din ei până astăzi vorbesc cu atâta înflăcărare și patos, dar și cu o oarecare tristețe despre asta. Îmi amintesc foarte bine momentul când mi-am propus să ajung și eu acolo; Mă întrebam unde a avut loc fisura dacă tot laudă școlile astea, iar în teatrele din Moldova avem ceea ce avem? Au trecut 5 ani și gândurile sau materializat, am ajuns să fac masteratul la școala-studio MHAT. Un MHAT care nu mai e cel din perioda sovietică, ci o instituție care valorifică cele mai noi forme de teatru, bazată pe experiment, pe discurs, foarte ancorat în realitățile imediate și în continuă dezvoltare dar și analiză a parcursului său. Fiind în contextul teatrului rus de prin 2010, am avut norocul să prind acea perioadă când teatrele din Moscova au ajuns să fie din nou o forță, să poarte un strâns dialog cu teatrele din întreaga lume, mai ales cu cel din Germania. În acel moment mi-a venit ideia că ar fi fain să lucrez într-un context german, să fac cunoștință mai îndeaproape cu alte forme de teatru, să cunosc bucătăria acestui important ”jucător” în materie de teatru pe plan mondial și uite că peste 5 ani s-a întâmplat acest proiect”, povestește Sava.

Mario Eick nu programase inițial să fie trei regizori pentru spectacol. El  era pe poziția de regizor-autor, Manuel Harder pe poziția de actor/narator și co-regizor, iar la Chișinău erau în căutare de încă un astfel de actor/narator din partea Republicii Moldova. Însă, pentru că așa și n-au găsit acel actor/narator din Moldova, au decis să schimbe un pic conceptul.
”Mario, Manuel, Peter și Evelin  au venit la Chișinău în căutare de actori. Eu, mi-am zis să nu ratez o astfel de șansă, am hotărât să merg să-i cunosc pe acești oameni. La casting, le-am spus: eu nu mai fac actorie de câțiva ani, însă sunt tânăr regizor. Astfel, după o mică discuție între ei, chiar în prezența mea, au hotărât să schimbe un pic conceptul spectacolului și m-au invitat să particip în acest proiect cu statutul de co-regizor din partea Moldovei. M-a inspirat și m-a atras foarte mult ideea acestei co-producții pentru că este vorba de diferite limbi teatrale care urmau să fie combinate. A fost o mare provocare”.

Și într-adevăr a fost o provocare și pentru actori, dar mai ales pentru regizori. Nimeni nu a știut cum va arăta spectacolul până aproape de premiera de la Chișinău, când lucrurile au început să se lege. Se joacă în 5 limbi: română, rusă, engleză, germană și maghiară. Astea sunt limbile pe care le vorbește echipa și s-a insistat pe ideea de a le lăsa în spectacol. S-a pus problema ce va înțelege publicul, cum va percepe un spectacol care nu se joacă în română? Fiindcă la noi în Moldova, în majoritatea cazurilor când se montează un spectacol, fie că e vorba de un teatru național, sau mai nou, teatru independent, nu știu de ce se merge pe filiera că publicul moldovean nu e obișnuit să gândească, și că publicul nostru cere numai spectacole simple și că el vrea să i se dea totul mură în gură, totul să-i fie clar și logic din start, dar această producție a demonstrat că nu e tocmai așa. Oamenilor le place să gândească, să deznoade, să o facă pe detectivul, iar formele de teatru nou întotdeauna cer activarea acestei capacități a creierului.
”Teatrul a evoluat foarte mult astăzi. Sunt atâtea forme de exprimare în ceea ce privește teatrul. Printre toate astea, sunt spectacole când tu ca și autor, ești obligat să ieși în fața publicului, nu pentru ca să-i spui despre ce este spectacolul, ci doar să-l focusezi. E vorba de alt limbaj teatral și dacă nu ajuți spectatorul să-l perceapă atunci dialogul nu va avea loc. Spectatorul nostru demult este gata pentru noi forme de teatru”. Spune Sava, adăugând că ”Tu creezi reguli noi, de asta, ești cumva dator să ieși în fața publicului să-l focusezi și atunci lucrurile funcționează foarte bine. Cât de important a fost discursul lui Steve Jobs la prezentarea primului iPhone acum zece ani, nu?”.

 

Ideea spectacolului ”Magnificii” / ”Die Glorreichen” pornește de la scenariul lui Akira Kurosawa Cei 7 Samurai și westernul Cei 7 Magnifici unde Mario Eick compară condiția pistolarilor cu cea a actorilor. În ambele cazuri eroii își doresc să ”salveze universul” pe bani mizeri, chiar cu prețul vieții lor. De ce fac ei asta? Care este motivația lor? Care sunt valorile lor? Actorilor li s-a dat sarcina să mediteze asupra personajelor, istoriilor lor și a deciziilor pe care aceștia le-au luat făcând conexiune cu propriile istorii, experiențe etc. Astfel materialul dramaturgic constituit din scenariul scris de Mario pe baza filmului este combinat cu istoriile personale ale actorilor, în care ironia, auto-ironia și sarcasmul voalează dramatismul existențial nu doar a unor personalități, ci și a omenirii în sine.
”Când am ajuns la Burghausen, piesa scrisă de Mario pe baza filmului Cei 7 magnifici, era tradusă doar pe jumătate, pentru noi, vorbitorii de română. Cu toate astea, am decis să începem lucrul, având ca bază acest text. În prima instanță actorii trebuiau să creeze personaje, după care urma să lucrăm la solo-uri, bazate pe istorii personale. Cu timpul, s-a ajuns la lucrarea finală, unde, acum, avem un text creat de întreaga echipă. Unii dintre actori, voiau să joace într-un spectacol creat pe baza propriilor istorii, iar alții voiau să continuie lucrul la piesa scrisă de Mario. Atunci mi-a venit gândul că lucrul la solo-uri va merge foarte repede dacă tot ei sunt atît de confidenți. În realitate însă, a fost cu totul altfel. Când am ajuns la construirea partiturilor personale, ne-am blocat, toți. Poate e doar părerea mea, dar așa am văzut eu că stau lucrurile. Actorul venea cu idei, povestea și povestea, și iar povestea, dar când era vorba de realizarea ideii în scenă, nimic. Cred că au prezentat câte 3 sau 4 variante până când am ales una și am început să o dezvoltăm. Datorită acestei experiențe, mi-am dat seama că pentru actori este mult mai ușor să joace un rol decât să vorbească despre sine de pe scenă, chiar dacă unor actori le place să iasă în scenă având ca bază textul autorului, iar altora le place să fie ei înșiși autorii textului” povestește Sava.

Tehnica de lucru a echipei #Magnificilor s-a bazat pe participarea creativă a întregului grup, tehnică de tip devised. Asistând uneori la repetiții, aveam orgasm intelectual urmărind cum actorii, prin improvizații, propuneau diverse variante ale partiturilor lor, ale scenelor colective, sau ale momentelor de legătură între scene. Discutau îndelung ceea ce au simțit, ce i-a deranjat, ce le-a plăcut, ce ar trebui de nuanțat, dacă e bine să facă acel moment, dacă e valabil pentru ei și pentru spectatori.
”Actorii au avut un rol fundamental în acest proiect. În afară de crearea solo-urilor, au avut sarcina de a inventa studii pe baza texului lui Mario și scenariului filmului Cei 7 magnifici, ceea ce a ajutat la crearea dramaturgiei după modelul cinematografic, prin imagini, prin tehnica clip thinking și bazat pe efectul surprinderii” punctează Sava.

Este important de remarcat că în acest spectacol, actorii, deși au de interpretat niște caractere luate din film: Sotero, Chico, Miguel etc… ei nu joacă aceste caractere. Distanțarea brechtiană le permite să-și prezinte caracterele sub orice formă. S-a ajuns la forma simplă de ”joc”. Asta se poate vedea și în spectacol… mă refer la costume, la tăblițele / pancardele care sunt făcute din carton etc. Actorul crează și conduce conștient și lucid partitura sa și a întregului spectacol, jucându-se, jonglând, distrându-se, dar niciodată identificându-se până la capăt cu personajul. Dar totodată, anume astfel, actorul și devine un personaj / caracter în lucrarea dată .”Deseori, îl auzeam la repetiții pe Mario spunându-le actorilor ”ăsta-i Brecht, ăsta-i Brecht” într-o conotație negativă. Asta cumva m-a surprins, fiindcă sunt regizori contemporani ruși foarte cotați care lucrează pe baza acestei metode. Și eu mă identific cumva cu această metodă, de asta și a fost straniu pentru mine să aud de la nemți, despre Brecht, într-o conotație negativă” spune Sava.

Adevăratele caractere însă erau actorii. Istoriile lor personale i-au tranformat în caractere. Ești conștient că istoriile le aparțin, că ele vin din gânduri, sentimente, experiențe. Istorii ale oamenilor care stau în fața ta.  Caracterul Anastasiei (Nashko), actrița care nu se regăsește într-o țară străină, sau Caracterul Geniei (Pasat), fata care a descoperit că răul se vindecă prin dragoste, sau caracterul Godje (Hansen), tînăra care a trăit prăbușirea utopiei și nu mai știe în ce să creadă, sau caracterul Marcelei (Nistor), pe care durerea livrată de memoria pierderii unei persoane dragi a influențat-o în luarea deciziilor.
”Actorii au avut oportunitatea de a se exprima, de a vorbi despre ei înșiși. Scena este o platformă unde poți vorbi despre aceste lucruri. Puțini fac asta acasă, puțini spun te iubesc mamei și mulțumesc bunicii, puțini se gândesc la condiția lor de actor, stând acasă. Fiecare dintre actori a vorbit despre lucruri importante așa cum înțelege el/ea că e important astăzi pentru el/ea. Și i-am lăsat să o facă, așa, naiv, patetic și ironic, pentru că în spate stă un mesaj clar și foarte puternic și  pentru că, asta permite regula jocului pe baza cărei a fost creat spectacolul, asta permite forma cu care operează actorii în spectacolul dat. Ni se pare că suntem atât de evoluați, că iată omul secolului XXI, că iată tehnologiile informaționale, că iată plecăm deja pe Marte, dar când facem prostii, nimic nu ne justifică. Aici mă refer și la cum votează lumea și de ce votează, ce consumă, care e aportul fiecăruia în societate etc, etc. Este un spectacol autentic despre acum, despre problemele cu care se confruntă tinerii actori azi”zice Sava.

Și la Stuttgart, și la Chișinău reacțiile au fost foarte călduroase și reacțiile devin cu atât mai prețioase cu cât acestea vin din partea tinerilor. Pentru că această producție inițiază un dialog între generații, încearcă să micșoreze acea prăpastie care mereu i-a defavorizat pe tineri, fiind percepuți ca niște oameni fără valori și fără nimic sfânt. Chiar dacă la început spectatorului îi este un pic mai greu să se conecteze, pentru că spectacolul începe în limba germană și engleză, după 20 de minute puzzle-ul începe să prindă formă, începi să înțelegi regulile jocului, și ceea ce n-ai înțeles în această scenă, vei înțelege în următoarea. La final vei avea imaginea completă, imagine pe care ai creat-o în urma cooperării tale, imagine pe care tu ai creat-o cu ajutorul imaginației tale și deschiderii tale. În acest spectacol nu doar actorii sunt co-autori, ci și spectatorii.


”Godje, în costum de înger, pune întrebarea: ”acum 100 de ani a existat așa o profesie – copist. Astăzi nu mai există, spune ea. Pentru că avem Xerox-uri. Oare ce va fi peste 20-30 de ani cu profesia noastră – actor?” Cum va supraviețui ea când deja majoritatea filmelor folosesc din abundență grafica computerizată și sunt spectacole unde eroii centrali sunt publicul, așa cum fac cei de la Rimini Protocol de exemplu. Godje vorbește despre lucruri existențiale și despre valorile umane, despre Utopie așa cum înțelege ea și în următoarea secundă, actorii încep a cânta ”Trece-un nouraș pe sus”, cântec de dor și jale. E exact fenomenul clip thinking, când ai telecomanda în mână, pe un canal se vorbește despre încălzirea globală și sfârșitul lumii și când dai la Noroc TV, acolo se cântă de dor și jale. Pe scenă stau un grup de oameni și cântă ”Trece-un nouraș pe sus”, iar deasupra capurilor lor stă instalația care te duce cu gândul la norul despre care, cele trei vrăjitoare, au vorbit încă la începutul spectacolului că iată din umbra unui nor apare Calvera și bandiții lui. Oare într-adevăr e un final pozitiv? Poate e melancolic? Sau stupid? Sau poate dur? Fiecare scenă e o pictură. Secvențele se adună într-un tot întreg pe parcursul întregului spectacol, una după alta, una după alta. Sunt de părerea că, atunci când spectacolul are o cardiogramă foarte bine gândită, calculată, poți face spectacole care ar putea dura și 24 de ore, oricum, publicul nu va simți cum trece timpul. Exemplu ar fi spectacolul Mount Olympus / Muntele Olimp de Jan Fabre. Dacă în 2009, credeam că în secolul XXI, spectacolul nu poate dura mai mult de 2 ore. Apoi am greșit, spectacolul poate dura și 2 zile și cât crezi tu că trebuie să dureze, totul depinde dacă regizorul / autorul știe cum să gestioneze / organizeze timpul spectacolului și de mesajul pe care îl aduce prin această lucrare. Am văzut un spectacol unde doi actori vorbesc între ei, iar eu fiind în rândul 4 nu-i auzeam, mă uitam la actul lor actoricesc în scenă, care a durat 50 de minute și nu înțelegeam nimic, decât doar actul în sine care ținea mai mult de subiect, dar pentru că era spectacolul lui Castellucci, știam că nu poate fi doar despre asta, și tocmai când mai rămâneau 3 minute până la final, am înțeles și despre ce este acest spectacol și de ce e așa cum este etc… Dacă vrei să-ți reușească călătoria, trebuie să ai încredere în regizor. Așa e și cu proiectul ăsta al nostru teatral moldo-german ”Magnificii” / ”Die Glorrechien” mai spune Sava.

La toate interviurile la care au participat echipa #Magnificilor, li s-a pus întrebarea cum e să lucreze 3 regizori la un spectacol? Răspunsul, sigur că era: GREU.  Sunt totuși trei regizori.
”Când am jucat spectacolul aici la Chișinău, se apropiau de mine colegi de-ai noștri și-mi spuneau că au venit la spectacol numai ca să vadă ce am realizat eu. Cum? Vii la un spectacol unde au lucrat trei regizori și tu vrei să vezi cum lucrează doar unul? Tot după premiera din 22 iunie la Chișinău, Mario s-a apropiat de mine și mi-a spus că el este de părerea că eu am realizat 70 % din spectacol, iar eu sunt de părerea că: Peter (scenografie) cu Erich (regie sunet) sunt regizorii acestui spectacol, iar noi cu Mario și Manuel suntem dramaturgii. Este un spectacol comun, creat de întreaga echipă, împreună cu cei 10 actori și împreună cu Wolfram,  care l-a început avea funcția de traducător, dar până la urmă a și jucat în acest spectacol. Adevărat, nu e o lucrare realizată în totalitate după metoda în care lucrez eu. Plus la toate, dacă aș fi eu autorul unui astfel de proiect, nu știu dacă aș alege să numesc spectacolul ”Magnificii”. Dar de asta și sunt binevenite astfel de proiecte colaboratoare care îți oferă posibilitatea să faci ceea ce n-ai fi făcut lucrând în alte condiții. Mai e ceva, trebuie de luat în considerație ghilimelele, dacă ai pus ceva în ghilimele, automat i-ai dat o altă conotație. În cadrul acestui proiect, am reușit să fuzionăm metoda teatrului clasic cu teatrul formelor, am folosit elemente de performance, instalație, video proiecții și astea toate pentru că în cazul acestui spectacol regula permite asta. Pentru că e vorba de un spectacol cu actori, despre actori și respectiv despre oameni. M-am convins că Mario ca și regizor are o metodă a sa de lucru cu actorii, Manuel alta, eu o a treia, dar, pentru că am avut un scop comun – spectacolul, cred că până la urmă ne-a reușit. Asta contează”.

 

Nu-mi aduc aminte un spectacol recent în care să se vorbească despre condiția actorului în teatru, despre viitorul actorului în teatru, despre precaritatea actorului și a artei în general. Pentru că actorul este imaginea societății. Și dacă se joacă doar texte din perioada sovietică înseamnă că nicidecum nu ne putem detașa de perioada aia și ea continuă și azi. Dacă jucăm numai texte clasice înseamnă că ne place să trăim în iluzia poveștilor, ”să fugim de realitate, să ne relaxăm un pic”. Dacă actorii încep să vorbească, să ia atitudine, să aibă o poziție, să aibă ceva de spus, înseamnă că începe să se formeze coloana vertebrală, dacă nu a întregii societăți, cel puțin a câtorva actori care fac meseria asta pentru bani puțini, dar continuă să o facă.
”E bine că există acest proiect, că există oameni care susțin asta și e bine că actorii din Moldova au acceptat această provocare. E important pentru mine, că artiștii, în cazul dat actorii din Moldova, au ceva de spus” încheie Sava.

 

Magnificii // Die Glorreichen
Regia și scenariul: Mario Eick

Co-regia: Sava Cebotari și Manuel Harder

regie sunet: Erich Maier

scenografie: Peter Schickart

în distribuție:

Godje Hansen, Genia Pasat, Esra Laske, Marcela Nistor, Bálint Walter, Igor Babiac, Anastasia Nashko, Jens Lamprecht, Romanița Alexeev, Janosch Fries.

Conducerea producţiei:

Dr. Evelin Hust (Goethe-Institut Bukarest)

Mario Eick (Theater für die Jugend, Burghausen)

Manuel Harder (Schauspiel Stuttgart)

Producători:

Institutul Goethe din România

Teatrul Tineretului din Burghausen

Cu suportul: Ministerului Afacerilor Externe al Republicii Federale Germania, orașul Burghausen și Guvernul din Bavaria Superioară

O co-producție cu: Corina Gîrla (Centrul Cultural German Akzente, Chișinău) și Vlad Ciobanu (Centrul Naţional de Educaţie prin Artă, Chișinău).

Parteneri: Centrul Naţional de Educaţie prin Artă, Teatrul Dramatic de Stat din Stuttgart, Teatrul «Veniamin Apostol» Soroca, Teatrul Național «Vasile Alecsandri» din Bălți.

 

 

Manuel Harder: Îmi place să fac teatru în spații care au în spate o istorie.

Manuel Harder, actor şi regizor german, colaborator al teatrelor din Dortmund, Berlin, Leipzig, Frankfurt, Stuttgard, iar anul acesta a semnat un contract cu Deutsches Theatre din Berlin. Este co-regizor al proiectului moldo-german Magnificii şi l-am invitat să ne povestească cum se derulează proiectul şi cît de uşor e să lucrezi într-o echipă internaţională.

Manuel Harder:  Mi-am făcut studiile la Academia de Teatru din Burghausen, condusă de David Esrig. Unul din ucenicii lui David mi-a propus să merg la Festivalul Internaţional al Artelor Scenice BITEI 2016. Am jucat un monospectacol, Prezumţia, şi cît am stat la Chişinău am fost invitaţi de Centrul Cultural German Akzente să ne gândim împreună cu Mario Eick la un proiect internaţional pentru actori tineri. Trebuia să facem un spectacol despre valori. Dacă faci ceva despre valori, vei primi finantare (râde). Am inceput să ne gândim ce am putea face, să ne vedem şi să discutăm despre ce e valoros pentru omul contemporan?  Am ales ca motto o frază a solistului grupului The Clash, Joe Strummer, ”E timpul să punem umanitatea in centrul ringului” (Time to put humanity back into the center of the ring). Apoi Mario a propus să avem o istorie, un soi de pistă de plecare şi a avut ideea provocativă de a plasa acţiunea într-o legendă western despre apărarea valorilor. Mario și-a dorit să creem o legendă modernă iar pentru asta ne-am inspirat din scenariul lui Akira Kurosawa ”Cei 7 Samurai”, care a stat la baza western-ului ”Cei 7 Magnifici”. Am decis să racolăm actori independenţi, să vedem ce rol joacă ei în societate, care ar putea fi rolul lor puşi în situaţia de a proteja un sat, unde în fiecare an vine acest gangster și le cere jumătate din recolta sătenilor. În acest an e o criză deosebită şi gangster-ul trebuie să le ia toată recolta, pentru că proprii lui oameni vor muri de foame dacă nu vor prăda satul. Ăsta era scenariul de la care trebuia să pornim. Pentru mine a fost o intrebare la care trebuia să caut răspuns: ce e satul? El ar putea ar putea fi orice: satul global, tradiţiile, un loc al artei, al libertăţii care trebuie protejat, care este starea de spirit al acestui sat. Pentru fiecare actor, satul pe care trebuie să-l protejeze este cu totul diferit. Era important ca aceşti oameni să formeze un colectiv, să fie jucăuşi şi, cu toate diferenţele în gîndire, să fie angajaţi în protejarea acestui sat. Pentru mine scena este un soi de spaţiu de lucru care abundă de idei şi unde poţi şi trebuie să joci cu ele. Schiller spunea că ”o fiinţă umană este o fiinţă umană doar atunci cînd joacă”.

Theteatru:  Cum e să lucrezi cu alţi 2 regizori la un spectacol şi să nu deţii controlul absolut asupra acestuia?

Manuel Harder: E greu. Ai nevoie de o grămadă de timp pe care niciodată nu-l ai. Din cauza barierei lingvistice întotdeauna ai nevoie de mai mult timp ca să asculţi, să înţelegi şi să ţii cont de ideile altora. La repetiţii trebuie să fim un organism şi nu fac doar ceea ce mi-am planificat sau ce am fost rugat, întotdeuna trebuie să acţionezi în dependenţă de necesităţile acestui organism, care creşte mereu şi merge în direcţii pe care nu ai putut să le prevezi. Uneori e destul de greu, alteori e stupid. Se poate întâmpla să-ţi vină nişte nişte idei la care nu te-ai gândit nicodată.

Theteatru:  Cum lucraţi cu actorii, le dictaţi ce să facă sau doar ii ajutaţi să-și găsească calea lor, să le valorificați potențialul?

Manuel Harder:  Trebuie mereu să-i convingi de unele lucruri, dar, deasemenea, să-i asculţi, să le simţi impulsurile, să ştii cum gândesc. Spectacolul se bazează pe istorii personale, ei nu interpretează o poveste, ei construiesc un dialog unde vorbesc despre ei, despre ceea ce îi nelinişteşte astăzi, aici şi acum, de aia şi implicarea lor ca personalităţi e foarte mare. Totodată e şi un soi de muncă diplomatică. Poate ideea pe care am avut o aseară pe masa mea de lucru nu funcţionează, şi atunci discutăm, analizăm şi căutăm impreună soluţii. E mult de lucru.

Theteatru: Influenţează cumva schimbul de spaţii asupra spectacolului. Pentru că aţi lucrat trei săptămâni în  Burghausen, în Academia Athanor care e într-un castel, iar aici lucraţi 2 săptămâni la Centrul Naţional de Educaţie prin Artă, care este o casă de cultură de tip sovietic.

Manuel Harder:  Îmi place să fac teatru în diferite spaţii, spaţii care aduc ceva nou în organismul spectacolului, pentru că fiecare spaţiu are vibraţiile şi istoria lui personală. Le-am simţit foarte mult, mai ales aici în Chişinău, am simţit istoria acestei camere, presiunea acestei istorii. Trebuie să facem un ritual şamanic prin joc ca să eliberăm cumva energiile. Pe de altă parte, în Germania am lucrat în Academia Athanor care e situată în cel mai lung castel din lume, într-un orăşel foarte liniştit, iar actorii au trebuit să facă cunoştinţă unul cu altul în acest mic oraş, era ca într-o poveste, ca în vacanţă, ca la tabără. Am început într-un spaţiu unde fiecare era străin, fiecare trebuia să facă efort dublu pentru a se deschide. În Chişinău deja suntem un grup format şi lucrurile se mişcă altfel.

Theteatru: Care au fost cele mai vizibile deosebiri dintre actorii din Moldova şi cei din Germania?  

Manuel HarderE curios să urmăreşti ce tip de energii dezvoltă aceşti tineri, cum fac prietenii, cum se nasc tensiunile. Cînd am făcut castingul în Chişinău şi-am cunoscut toţi actorii, a fost o chestie foarte interesantă pentru mine, am avut senzaţia că actriţele sunt mult mai pregătite să schimbe lucrurile, foarte directe. De aia şi avem patru actriţe  în proiect. Actorii însă, erau cumva prinşi în rolul lor, jucau cumva un pic mai rece, mai ascuns. Iar în Germania actorii au fost foarte deschişi la minte, cu discuţii sincere.

Când le-am spus actorilor din Moldova că vom face un proiect bazat pe istoriile lor personale a fost ca şi cum ai sparge un zid, foarte palpitant. Actorii germani sunt obişnuiţi să facă acest lucru, şi, din păcate, acum pentru ei asta nu mai e o provocare sau o curiozitate. Germanii erau mult mai încrezuţi, moldovenii mai puţin încrezuţi, dar nu timizi, în timpul repetiţiilor trebuie să le spun mereu ”vorbiţi vă rog un pic mai tare, făceţi-vă auziţi”. Cînd am avut primul concert cu public, după trei zile de repetiţii, unde s-a cântat şi dansat mult, actorii din Moldova explodau de energie, o făceau cu  atîta lejeritate şi cu atîta satisfacţie, o energie fermecătoare, în special din partea actriţelor. Iar nemţii au fost mai crispaţi la acest capitol.

Theteatru: Cum a reacţionat publicul german la spectacolul pe care l-aţi prezentat la Burghausen?

Manuel Harder: A fost interesant de urmărit audienta acestui oraş mic. Defapt nu a fost un spectacol, ci un work in progress, o primă încercare. Toţi au spus că e foarte fain să simţi energia acestor actori, să simţi grupul, dar că nu au înţeles nimic. Pentru un regizor care vrea ca publicul să înţeleagă ceva e foarte greu să convingă tinerii actori că ar fi foarte util să avem o linie narativă şi nişte informaţie despre caractere. Mulţi dintre actorii germani au vrut să sară din firul narativ, să sară din personaj, vor să aibă mai multe scene cu asocieri libere pentru că nu doreau să povestească filmul. Înţeleg asta perfect. Alţii se simţeau mai bine în linia narativă, cu personaje bine definite. Întotdeauna era o luptă între aceste două concepte.

Spectacolul se dezvoltă permanent, de la reprezentaţie la reprezentaţie. Chiar şi în timpul premierelor de la Chişinău, Soroca şi Bălţi, vom continua să lucrăm asupra lui, să facem schimbări, iar cînd vom ajunge la Stuttgart va trebui să-l modificăm un pic, special pentru publicul de acolo.

Nu ne-am dorit să avem subtitre în spectacol, vrem să lucrăm asupra acestei probleme, chiar dacă se vorbesc mai multe limbi, trebuie să mă fac înţeles, un loc nou presupune şi un joc nou.

 

Spectacolul Magnificii

Regia și scenariul: Mario Eick

Co-regia: Sava Cebotari și Manuel Harder

Conducerea producţiei:

Dr. Evelin Hust (Goethe-Institut Bukarest)

Mario Eick (Theater für die Jugend, Burghausen)

Manuel Harder (Schauspiel Stuttgart)

Producători:

Institutul Goethe din România

Teatrul Tineretului din Burghausen

Cu suportul: Ministerului Afacerilor Externe al Republicii Federale Germania, orașul Burghausen și Guvernul din Bavaria Superioară

O co-producție cu: Corina Gîrla (Centrul Cultural German Akzente, Chișinău) și Vlad Ciobanu (Centrul Naţional de Educaţie prin Artă, Chișinău).

Parteneri: Centrul Naţional de Educaţie prin Artă, Teatrul Dramatic de Stat din Stuttgart, Teatrul „Veniamin Apostol” Soroca, Teatrul Național „Vasile Alecsandri” din Bălți.